Du 18 juin au 7 août, la Gaîté Lyrique proposait l’exposition Public Domaine, mettant en scène la culture skateboard à travers tous ses supports d’expression : photographie, dessin, graphisme, vidéo mais aussi mode, jeux vidéos ou encore installations artistiques. Petite visite guidée en image sur Storify !
Tag: Gaîté Lyrique
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Mon “Futur en Seine”
Comme je l’annonçais dans mon programme du weekend le 17 juin dernier, Futur en Seine s’est tenu à Paris du 17 au 26 juin dernier. Un mois après la manifestation, je vous propose de revenir sur les événements qui m’ont marqué, à travers un petit compte-rendu très personnel.
Futur en Seine, qu’est-ce que c’est ?
Organisé par Cap Digital (pôle de compétitivité des contenus et services numériques), Futur en Seine est une sorte de biennale du numérique, qui propose un cycle de conférences autour de six thématiques, des expositions dans des lieux de culture et d’innovation à Paris et en région parisienne, sans oublier quelques événements festifs et nocturnes. Les places étant chères, c’est grâce à la complicité d’un de mes camarades muséogeeks que j’ai pu assister à deux des conférences plénières, ainsi qu’à un atelier.
Le futur des communications
Le matin du jeudi 23 juin, j’ai assisté à la conférence “Le futur des communications“. Parmi les intervenants, Sugatra Mitra (ici et aussi là) a marqué les esprits. Professeur à la Newcastle University, Mitra a développé plusieurs projets visant à étudier les mécanismes d’apprentissage chez les enfants et les adolescents, en Inde, puis en Grande-Bretagne et dans le monde entier. Avec le projet Hole in the Wall, il a installé des bornes équipées d’un ordinateur connecté à internet, laissant les enfants les utiliser pendant 3 à 4 mois avant de revenir. Entre 1999 et 2004, il a installé son dispositif dans de nombreuses régions de l’Inde rurale pour arriver à la même conclusion : abandonnés à eux-mêmes devant la machine, les enfants ont spontanément appris l’anglais pour pouvoir naviguer sur internet et utiliser la machine. Avec d’autres projets, Mitra a mis en évidence les aptitudes spontanées des enfants pour comprendre des thématiques complexes, même lorsqu’elles étaient rédigées dans une langue qu’ils ne maîtrisaient pas, ou la possibilité d’améliorer accent et prononciation par l’intermédiaire d’outils numériques. L’ensemble de ses recherches tend à démontrer la capacité qu’ont les enfants d’apprendre seuls et d’inventer leur propre pédagogie à l’aide d’un ordinateur, des notions qui ne sont pas sans questionner la manière dont on conçoit l’enseignement et l’apprentissage aujourd’hui. Après avoir pensé que Google nous rendait stupides, serions-nous en train de comprendre qu’internet permet un autre mode d’apprentissage, pas encore totalement exploré et compris mais tout aussi riche ?
Parmi les autres interventions remarquables, j’ai retenu celle de Vincent Ducrey, blogueur et conseiller nouveaux médias auprès du gouvernement français. Bien que clairement orientée business et marketing, sa présentation (de toute évidence conçue sur Keynote) ne manquait pas d’intérêt, rassemblant une somme dense de références prospectives autour des évolutions possibles de la communication et basées sur les outils existants (blogs, réseaux sociaux, forums, mobilité…). Mais il a livré une présentation (trop) riche dans un temps très court, ce qui a un peu nuit à la lisibilité de son message.
Concevoir un jeu vidéo en 3h top chrono !
L’après-midi, j’ai participé à l’atelier Social Gaming, conduit par Jason della Rocca, créateur de Perimeter Partners (voir aussi son blog, Reality Panic). Pendant cet atelier de trois heures, nous avons découvert le b-a-ba du jeu vidéo, et notamment le tryptique MDA ou Mechanics, Dynamics, Aesthetics. Pour plus de détails, je vous suggère de lire de compte-rendu très complet préparé par Béatrice David de Girlz in web. Cet atelier très rythmé, dynamiquement animé par Jason, a été une excellente expérience, me permettant d’assouvir une certaine curiosité pour les jeux vidéos, ainsi que quelques pistes de réflexion sur les ressorts de la gamification (j’aurai l’occasion d’y revenir).
Le futur de la ville sous le signe de l’initiative citoyenne
Le lendemain, la conférence plénière sur “Le futur de la ville” a été l’occasion pour moi de découvrir Robin Chase, créatrice de buzzcar, un service de partage de voiture (et non pas de co-voiturage, mais je vous laisse voir la différence sur le site). À mon sens, c’est la seule intervenante qui ait vraiment rempli sa mission : nous parler du futur (ici, de la ville) en tant qu’entrepreneure et experte. Contrairement à plusieurs autres speakers, elle n’a pas passé la majorité de son intervention a parler de son parcours et de ses propres réalisations, mais a vraiment pris le temps d’expliquer les mécanismes qui amèneront, selon elle, le public à s’approprier la ville. Pour elle, le futur est dans les structures collaboratives, générées et administrées par les citoyens, sans intervention des gouvernements et des marques. Son exemple le plus saisissant : en 8 ans d’existence, le site couchsurfing.com a rassemblé des millions d’hébergements possibles (de la chambre de bonne à la villa luxueuse en passant par le modeste canapé dans le salon familial), là où l’empire Hilton n’a construit que 3400 hôtels en 60 ans.
Une autre intervention de qualité était celle de Christophe Aguiton d’Orange Labs R&D, qui a présenté plusieurs dataviz, toujours fascinantes, selon trois différents types de classement : des cartes “républicaines” répondant à un système de vote ; des cartes “par tribus”, basées sur des critères marketing et enfin des cartes par “friends/followers”, mettant en évidence les relations entre les intervenants sur le modèle des réseaux sociaux. Cette présentation m’a aussi permis de découvrir la notion de “Little Brother“, cette forme de surveillance lègère où les parents traquent leurs enfants, les épouses leurs maris (ou inversement) et les patrons leurs employés.
Plusieurs événements ont attiré la curiosité des visiteurs, parmi lesquels la présentation des FabLab à l’IRI, l’exposition “hello demain” produite par Orange à La Villette ou encore le Village des innovations au centquatre, mais je ne les ai pas visité.
Verdict !
Comme dans toutes les conférences de ce type, la qualité des communications est inégale et les intervenants, plus ou moins rompus à l’exercice de parler en public. D’un point de vue technique, j’ai trouvé pour le moins étrange d’obliger les francophones peu à l’aise avec l’anglais à présenter leur intervention dans la langue de Shakespeare, alors même que des casques étaient disponibles, proposant un service de traduction simultanée. Loin de moi l’idée de remettre en question l’aptitude de chacun à parler anglais, mais l’exercice s’est révélé parfaitement contre-productif, et certaines conférences auraient sans doute été passionnantes si elles n’avaient pas été massacrées par un anglais hésitant et maladroit. Pourquoi ne pas laisser les intervenants parler la langue qu’ils maîtrisent le mieux, le français ou l’anglais, et laisser aux interprètes le soin d’assurer une traduction cohérente et de qualité ?
Autre remarque que m’a inspiré cette édition de Futur en Seine, c’est le manque d’efficacité du site internet et la difficulté de lecture des événements. Devant la richesse de l’offre, il était difficile de discerner le programme officiel et les événements “off”, les conférences et les ateliers, les visites et les “performances”. Peut-être un programme moins dense mais plus ramassé, un nombre de thématiques plus limitées mais approfondies seraient des pistes à creuser ?
En revanche, le choix de lieux variés, prestigieux et représentatifs de la richesse de la créativité et de l’innovation à Paris m’a semblé tout à fait à propos. En outre, la qualité de certaines interventions, la bonne humeur générale, la diversité des participants dans le public, les multiples occasions de réseautage professionnel sont de bonnes raisons de se réjouir. L’avenir nous dira comment évoluera ce très jeune événement, puisque la 3ème édition se tiendra dès l’année prochaine, le festival passant d’un rythme biennale à une programmation annuelle.
Futur en Seine, du 17 au 26 juin 2011. J’ai assisté aux conférences et ateliers les jeudi 23 et vendredi 24 juin.
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Idées sorties pour le weekend !
Au programme ce weekend, les designer’s days qui ont commencé hier, le début de Futur en Seine, les derniers jours de Monumenta 2011 et l’ouverture de Public Domaine à la Gaîté Lyrique.
Les Designer’s Days
Les Designer’s Days ont commencé hier et durent jusqu’à lundi (le 20). Cette année, le programme est chargé : hier soir, c’était les cocktails rive gauche (avec les grands noms du mobilier : Cassina, Cappellini, B&B ou encore Kartell) ; ce soir, ceux de la rive droite (avec Sèvres Cité de la Céramique, la Fondation Ricard et l’Institut Suédois), ainsi que plusieurs ateliers et visites tout au long du weekend. Dans ce programme dense, j’ai repéré deux tables rondes : la première sur la responsabilité sociale du design à l’IFM, demain samedi à 10h, la seconde, “Parlons du projet” à la Chambre de Commerce et de l’Industrie de Paris, lundi à 9h30.Futur en Seine
Ce weekend commence aussi le festival Futur en Seine, un événement de taille qui proposent des conférences, des expositions et des soirées rassemblés autour de la baseline “le futur, vous le voulez comment ?”. Cinq thématiques seront développées : le futur de la vie, le futur de la musique et de l’image, le futur des communications, le futur de la création et le futur de la ville. Difficile de choisir entre des table-rondes très prometteuses, qui annoncent des intervenants de qualité. Pour commencer, je vous suggère la conférence autour du FabLab organisée par l’IRI (lundi 29, 17h au Centre Pompidou) et l’expérimentation Blinkster(mercredi 22, 18h au Centre Pompidou). Vu la taille du festival, j’aurai l’occasion d’en reparler.Monumenta 2011

OrsayCommons à la Monumenta © Lorena Biret C’est l’événement arty du printemps, la Monumenta 2011 qui laissait les clés du Grand Palais au britannique Anish Kapoor. Après un mois d’événements (dont une spéciale OrsayCommons), la manifestation se termine la semaine prochaine, jeudi 23 juin pour être précis, alors profitez-en pour (re)vivre cette expérience unique, physique autant qu’artistique, touchante, envoûtante qu’est Léviathan. Et n’oubliez pas de participer au concours organisé sur le tumblr de la manifestation avec textes et/ou vos photos.
Public Domaine
Enfin, ce samedi commence la nouvelle manifestation de la Gaîté Lyrique, Public Domaine. Plus qu’une exposition, Public Domaine explore l’influence de la culture skate sur la musique, le graphisme, le cinéma, la photographie, la mode et le jeu vidéo à travers des concerts, des événements et une rampe de skate devant la Gaîté. Là encore, j’aurai l’occasion d’en reparler cet été.
Si la vidéo ne s’affiche pas, cliquez ici.
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Idées sorties pour le weekend !
Pour faire suite à mon article sur l’exposition Matt Pyke & Friends à la Gaîté Lyrique, sachez qu’il est à présent possible d’écouter et de télécharger l’hypnotisant morceau composé par Simon Pyke pour l’œuvre Communion, puisque la Gaîté lui consacre un dossier complet. Vous y trouverez une interview du compositeur, ce morceau donc, ainsi que d’autres pièces écrites par Simon et des sources d’inspirations musicales pour son travail. Dépêchez-vous, il ne vous reste que trois jours pour visiter l’expo ! Et si vous passez par la Gaîté ce weekend, faite un tour par LEX, L’Expérience Japonaise, festival qui se propose d’explorer les multiples facettes de la créativité et de la culture japonaise, au-delà des clichés habituels. Et racontez-moi ça, je ne pourrai pas y assister !
À voir ce weekend également : la première édition du Festival de l’Histoire de l’art, créé à l’initiative du Ministère de la Culture, de l’INHA et du Château de Fontainebleau. Visites-conférences, tables-rondes, expositions et ateliers pédagogiques sont au programme de cette première édition mettra à l’honneur l’Italie et le thème de la folie. Buzzeum en parle ici et culture.fr aussi.
En ce moment et jusqu’au 24 juillet (bon oui, vous avez encore le temps), la Cité de l’Architecture et du Patrimoine propose La ville fertile, une exposition étonnante, qui explore les enjeux de la nature dans la ville à l’heure où développement durable et éco-conception sont les maîtres mots de l’urbanisme. La scénographie est ambitieuse : les voûtes des caves du Palais de Chaillot ont été transformées en véritable jungle pour la première partie de l’exposition, qui met en lumière une sélection de projets internationaux innovants. Je vous conseille notamment la vidéo qui suit le montage de NYC Waterfalls, chutes d’eau artificielles montées à New York par Olafur Eliasson. La seconde partie, plus consensuelle, fait la part belle aux plans, maquettes et carnets de croquis, autour de sept thématiques parmi lesquelles l’eau, le feu, le terre.
Et pour finir, je vous laisse avec le teaser de Paris-Delhi-Bombay… qui ouvre aujourd’hui au Centre Pompidou et que j’ai pu visiter hier. Je prépare un article sur l’expo qui croisera plusieurs media, mais chut, c’est pour bientôt !
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En mai 2011 se dessine le musée de demain
Le mois de mai 2011 est chargé pour qui s’intéresse à l’avenir du musée, et notamment aux thématiques du musée et des NTIC. Je vous propose un petit tour d’horizon des conférences passées et à venir sur le sujet en France, en Grand-Bretagne, aux États-Unis et sur le net.

Rencontres culture numérique © Lorena Biret Les 3 et 4 mai, les Rencontres culture numérique se tenaient à la Gaîté Lyrique (Paris), l’occasion pour de nombreux professionnels de se rencontrer et d’échanger autour des apports du numérique dans la médiation. Un compte-rendu très complet est disponible sur le blog NetPublic. Pour des approches plus personnelles, je vous suggère de lire les compte-rendus par Noëmie Tassel (Musetrek) ici, là et encore là ; regardez également la note de Nicolas Rigaud (WTFIRL) et le reportage photographique de Lorena Biret. Enfin, je vous incite à consulter les datavisualisations conçues par Raphaël Velt qui rendent compte du livetweet de l’événement de manière visuelle et efficace.

Les 11 et 12 mai derniers, Museums & Heritage (Londres) proposait plusieurs conférences gratuites. L’une d’entre elles concernait le marketing et la présence des musées sur les réseaux sociaux, sous l’impulsion de Sumo (dont j’ai déjà parlé à propos de Ask a curator). Un autre conférence qui a attiré mon attention s’intitulait Design & Interpretation – That won’t cost the earth et abordait la question du musée “vert” : comment maintenir la qualité des expositions tout en réduisant la consommation d’énergie et de matières premières dans les musées ? Cette journée était placée sous le parrainage de Greener Museums, une agence spécialisée dans l’accompagnement des musées et des sites culturels dans la démarche de développement durable.
Les 23 et 24 mai prochains, l’American Association of Museums propose sa conférence en ligne The Museum of Tomorrow en parallèle à la version IRL de Houston, Texas. L’occasion de se pencher davantage sur le Horizon Report, Museum Edition 2010 (que je vous conseille vivement de consulter si ce n’est déjà fait, en pdf ou en ligne), mais aussi des questions aussi variées que le potentiel créatif des employés de musées, l’administration des bases de données pour les expositions au contenu important, le multilinguisme des expositions ou encore les moyens d’entretenir l’attention des publics.
Et pour finir, la même semaine MuseumNext se tiendra les 26 et 27 mai à Édimbourg (Écosse) et “s’intéressera aux apports des nouvelles technologies et des dernières tendances sur le web pour les musées et les galeries”. Jim Richardson (toujours l’agence Sumo) produit l’événement, qui sera l’occasion d’entendre quelques personnalités intéressantes des musées : Shelley Bernstein du Brooklyn Museum, reconnu comme l’une des figures de proue de l’usage des NTIC dans l’engagement des visiteurs ; Rich Mintz de Blue State Digital qui intervient dans le fundraising pour les institutions avec des outils numériques ; ou encore Geer Oskam de n8 (Stichting Museumnacht Amsterdam), qui travaille sur les moyens d’attirer les jeunes publics au musée à travers des stratégies online et offline.Si vous avez assisté ou allez assister à ces rencontres, n’hésitez pas à nous en dire plus dans les commentaires ou venez en discuter sur Twitter.
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Matt Pyke & Friends, “Super Computer Romantics” à la Gaîté Lyrique

Matt Pyke & Friends © Universal Everything Du 21 avril au 27 mai, la Gaîté Lyrique présente Matt Pyke & Friends, “Super-Computer-Romantics”. L’exposition, dont la commissaire associée est Charlotte Léouzon, une collaboratrice de Matt Pyke, présente 12 pièces du designer britannique et a donné lieu à une conférence/rencontre avec les artistes le mercredi 11 mai dernier.
À 36 ans, Matt Pyke a travaillé pour de nombreuses marques internationales : AOL, Apple, Nokia, Audi ou encore Chanel. De son propre aveux, son style évolue entre deux écritures visuelles : des travaux très pop, grouillants de références et graphiquement chargés d’un côté et de l’autre, des productions plus minimales dans des atmosphères épurées. Très inspirée de la nature et du vivant, ce qui peut sembler paradoxal pour un motion designer utilisant des outils numériques, il déclare : “I am more interested in reading books and magazines about science and biology than design” (Je m’intéresse davantage aux livres et magazines de science et de biologie qu’à ceux qui traitent de design, à propos de 76 seeds). Sa démarche se caractérise par un travail toujours participatif, en collaboration avec de nombreux intervenants : designers, ingénieurs, programmeurs, artistes, tels que Marcus Wendt et Vera-Maria Glahn du studio Field, Karsten Schmidt de PostSpectacular ou encore son frère Simon Pyke pour la musique.
Algorythmes pop
Parmi les douze œuvres présentées, trois ont retenu mon attention : Transfiguration, Supreme Believers et surtout Communion. Le teaser ci-dessous montre un aperçu de Transfiguration, ainsi qu’un extrait de Can’t stop que j’évoquerai plus loin.
Si la vidéo ne s’affiche pas, cliquez ici.Présentée au sous-sol de la Gaîté Lyrique, Transfiguration est une projection sur grand écran accompagnée d’une bande sonore et encadrée par des néons de couleurs. Une forme humanoïde marche, comme indéfiniment, tandis que sa texture se transforme périodiquement : métallique, minéral, poilu, liquide… “Sculpture vivante ou peinture évolutive” selon Charlotte Léouzon, Transfiguration est une pièce surprenante : l’association entre la musique et l’image donne une sensation presque physique du personnage et de ses changements. Lorsqu’il est de pierre, le son est lourd, lorsqu’il devient bulle, un son aérien se fait entendre. Et s’il est de métal, des cliquetis résonnent. Interrogé pendant la conférence sur la temporalité dans son travail, Matt Pyke précise : “There is a momentum in the gallery, a loop, you know that the guy from Transfiguration will continue walking even when I’ll be back in Sheffield (Il y a comme un refrain, une boucle dans l’exposition, qui fait que le gars de Transfiguration continuera de marcher même lorsque je serai rentré à Sheffield).”
En ce qui concerne l’origine de l’œuvre, il cite le travail du sculpteur taïwanais Ju Ming et plus précisément une pièce qui évoque un homme pratiquant le Tai Chi. L’idée de départ est de concevoir une forme abstraite puis, en la faisant marcher, le spectateur commence à ressentir de l’empathie pour cette forme. Pyke cite aussi l’exemple d’une chaise sur laquelle il place des yeux autocollants, donnant vie au meuble par anthropomorphie. À propos de la signification de Transfiguration, l’artiste évoque le cycle de la vie, l’évolution des technologies primitives vers des matériaux plus modernes, ce qui est complété par Charlotte Léouzon pendant la conférence.
Si la vidéo ne s’affiche pas, cliquez ici.Visible à la fois depuis la mezzanine et le sous-sol, Supreme Believers (réalisée avec Chris Perry et Simon Pyke) est une projection monumentale qui représente des danseurs semblant lutter pour leur survie. Tentant inlassablement d’atteindre l’extrémité gauche de l’écran sans jamais y parvenir, ils sont atomisés avant d’y arriver : leurs corps deviennent des bulles, des cubes ou encore des feuilles emportés par le vent. Plastiquement, on pense aux terribles pouvoirs de Jean Grey/Phoenix dans X-Men 3 ou à une ancienne publicité de Bouygues Telecom pour son iMode au début d’internet sur les portables. Sortes de Sisyphes numériques, ces danseurs semblent évoquer une lutte impossible de l’être humain pour s’élever vers un niveau de spiritualité ou vers une conscience supérieure. Le travail de Matt Pyke n’est pas sans évoquer ces questions, comme le montre la pièce qui m’a le plus marqué, Communion.
Du spirituel dans l’art et dans le numérique en particulier
Sorte de cérémonie religieuse chez d’hypothétiques Papous numériques, Communion est une expérience immersive qui allie son, lumière et motion design, et évoque tout à la fois le dancefloor d’une boîte branchée et un sacrement dans une chapelle digitale. Sur les quatre parois quadrillées de la petite salle plongée dans l’obscurité, d’innombrables personnages s’agitent au son d’une entêtante mélopée frénétique, fuyant d’un mur à l’autre, puis remplissant la totalité des parois, disparaissant à nouveau, passant de tons orangés chauds et roses fluos à des bleus et verts froids. Comme dans beaucoup d’autres pièces de Matt Pyke et de ses complices, les personnages de Communions sont générés par un algorythme basé sur la musique, faisant de l’œuvre une expérience unique qui se réinvente en permanence.

Communion, Matt Pyke & Friends © DR Simon Pyke précise : “it’s tribal music with a big vocal sound, like a collective & religious experience (C’est une musique tribale avec une importante partition vocale, comme une expérience religieuse collective)”. Pour ma part, j’ai pensé aux passages de rituels dans Sa majesté des mouches de William Golding remixés par Yuksek, quelque chose d’à la fois érotique et effrayant, sensuel et fascinant. C’est une véritable expérience à vivre et rien de ce que vous pourrez lire ici ou ailleurs ne rendra la réalité d’y être confronté.
Science feat. Nature
Parmi les autres pièces, on peut citer Can’t Stop, un autoportrait psychédélique de l’artiste en penseur (devant la grand salle, premier étage) qui n’est pas sans évoquer Magritte par sa force surréaliste. L’exposition montre également deux œuvres très graphiques : Electric Trees, dans une alcôve du sous-sol et 76 seeds. Dans Electric Trees un tube néon de lumière noire, relié à un capteur de présence, ne s’active que lorsqu’un visiteur pénètre l’alcôve et révèle les feuilles des arbres dessinées selon un algorythme récursif.

Electric Trees, Matt Pyke & Friends © Maxime Dufour Enfin, avec 76 seeds, une série de croquis dessinés quotidiennement, le designer inverse les rôles et devient la machine. Pendant 76 jours, il a dessiné en suivant les instructions d’une application iPhone développée exprès, selon quatre critères : l’énergie, le comportement, la complexité et la matière. Le résultat donne un assemblage hétérogène de croquis aux traits divers, mouvants, surprenants qui n’est pas sans évoquer un cabinet de curiosité graphique à l’ère du numérique.
Designer ou artiste ?

Conférence autour de l'exposition "Matt Pyke & Friends" © Sébastien Magro Pendant la conférence, l’épineuse question de la relation entre design et art se pose. Pour Charlotte Léouzon, nous vivons une époque de décloisonnement entre les disciplines, les artistes sont aujourd’hui tout autant directeurs artistiques que plasticiens et passent souvent de productions de commandes à des œuvres “à vocation artistique”. Venant appuyer son propos, Marcus Wendt précise que Londres lui semble plus ouverte à ce décloisonnement, là où l’Allemagne pratique une séparation plus radicale entre art et design, raison du déménagement de Field pour la capitale britannique. Pour conclure, Matt Pyke se définit comme designer avant tout : les marques et les projets publicitaires qu’il conçoit pour elles lui permettent de développer son travail artistique. Mais ces deux démarches ne sont pas opposées ou parallèles mais entrelacées, puisqu’à plusieurs reprises, des éléments fonctionnels ou formels présents dans ses œuvres ré-apparaissent dans ses annonces publicitaires et réciproquement.
La conférence a été également l’occasion de découvrir d’autres travaux de Matt Pyke et de ses compagnons, telle que leur première pièce présentée au public, Forever, montrée en 2009 au Victoria & Albert Museum de Londres et réalisée en collaboration avec Karsten Schmidt et Simon Pyke. Un autre très beau projet de Matt Pyke est Advanced Beauty, une série de 18 sculptures sonores produites en collaboration avec son frère Simon et des artistes américains et britanniques pour la plupart, que vous pouvez retrouver en podcast sur iTunes et en rétrospective à la Gaîté le dimanche 22 mai de 14h à 18h. Ci-dessous, quelques images du projet et son making-off.
Si la vidéo ne s’affiche pas, cliquez ici.Pour approfondir
À propos de l’exposition, je vous suggère la lecture des articles de Libération et Les Échos qui consacrent un petit sujet vidéo à l’expo. Côté blogs, voyez Eye Magazine (En) et lisez l’article de Noëmie Roussel sur ZestForArt. Enfin, Carpe Webem propose une réflexion sur la nature de l’art numérique à travers le travail de Matt Pyke.
Je vous incite à visiter le site de Matt Pyke car, au-delà d’y voir des photos de l’exposition, vous pourrez y apercevoir quelques instantanés du chantier de la Gaîté. La préparation de l’exposition ayant débutée il y a plus de 2 ans, le designer et son équipe ont appréhendé les espaces d’exposition du lieu, allant même jusqu’à concevoir un modèle 3D qui a été utile au personnel de la Gaîté.
Vous pouvez en savoir plus sur le travail de Charlotte Léouzon sur son blog ou sur le site de son agence, Va Voom.
J’ai visité l’exposition une première fois le 4 mai dans le cadre des Rencontres culture numérique, puis en visite guidée avec l’artiste le 11 mai. J’ai assisté à la conférence le même jour, à 19h.
MÀJ du 18/05/11 : ajout du lien vers le blog ZestForArt. -

Matt Pyke & Friends, “Super Computer Romantics” à la Gaîté Lyrique

Matt Pyke & Friends © Universal Everything Du 21 avril au 27 mai, la Gaîté Lyrique présente Matt Pyke & Friends, “Super-Computer-Romantics”. L’exposition, dont la commissaire associée est Charlotte Léouzon, une collaboratrice de Matt Pyke, présente 12 pièces du designer britannique et a donné lieu à une conférence/rencontre avec les artistes le mercredi 11 mai dernier.
À 36 ans, Matt Pyke a travaillé pour de nombreuses marques internationales : AOL, Apple, Nokia, Audi ou encore Chanel. De son propre aveux, son style évolue entre deux écritures visuelles : des travaux très pop, grouillants de références et graphiquement chargés d’un côté et de l’autre, des productions plus minimales dans des atmosphères épurées. Très inspirée de la nature et du vivant, ce qui peut sembler paradoxal pour un motion designer utilisant des outils numériques, il déclare : “I am more interested in reading books and magazines about science and biology than design” (Je m’intéresse davantage aux livres et magazines de science et de biologie qu’à ceux qui traitent de design, à propos de 76 seeds). Sa démarche se caractérise par un travail toujours participatif, en collaboration avec de nombreux intervenants : designers, ingénieurs, programmeurs, artistes, tels que Marcus Wendt et Vera-Maria Glahn du studio Field, Karsten Schmidt de PostSpectacular ou encore son frère Simon Pyke pour la musique.
Algorythmes pop
Parmi les douze œuvres présentées, trois ont retenu mon attention : Transfiguration, Supreme Believers et surtout Communion. Le teaser ci-dessous montre un aperçu de Transfiguration, ainsi qu’un extrait de Can’t stop que j’évoquerai plus loin.
Si la vidéo ne s’affiche pas, cliquez ici.Présentée au sous-sol de la Gaîté Lyrique, Transfiguration est une projection sur grand écran accompagnée d’une bande sonore et encadrée par des néons de couleurs. Une forme humanoïde marche, comme indéfiniment, tandis que sa texture se transforme périodiquement : métallique, minéral, poilu, liquide… “Sculpture vivante ou peinture évolutive” selon Charlotte Léouzon, Transfiguration est une pièce surprenante : l’association entre la musique et l’image donne une sensation presque physique du personnage et de ses changements. Lorsqu’il est de pierre, le son est lourd, lorsqu’il devient bulle, un son aérien se fait entendre. Et s’il est de métal, des cliquetis résonnent. Interrogé pendant la conférence sur la temporalité dans son travail, Matt Pyke précise : “There is a momentum in the gallery, a loop, you know that the guy from Transfiguration will continue walking even when I’ll be back in Sheffield (Il y a comme un refrain, une boucle dans l’exposition, qui fait que le gars de Transfiguration continuera de marcher même lorsque je serai rentré à Sheffield).”
En ce qui concerne l’origine de l’œuvre, il cite le travail du sculpteur taïwanais Ju Ming et plus précisément une pièce qui évoque un homme pratiquant le Tai Chi. L’idée de départ est de concevoir une forme abstraite puis, en la faisant marcher, le spectateur commence à ressentir de l’empathie pour cette forme. Pyke cite aussi l’exemple d’une chaise sur laquelle il place des yeux autocollants, donnant vie au meuble par anthropomorphie. À propos de la signification de Transfiguration, l’artiste évoque le cycle de la vie, l’évolution des technologies primitives vers des matériaux plus modernes, ce qui est complété par Charlotte Léouzon pendant la conférence.
Si la vidéo ne s’affiche pas, cliquez ici.Visible à la fois depuis la mezzanine et le sous-sol, Supreme Believers (réalisée avec Chris Perry et Simon Pyke) est une projection monumentale qui représente des danseurs semblant lutter pour leur survie. Tentant inlassablement d’atteindre l’extrémité gauche de l’écran sans jamais y parvenir, ils sont atomisés avant d’y arriver : leurs corps deviennent des bulles, des cubes ou encore des feuilles emportés par le vent. Plastiquement, on pense aux terribles pouvoirs de Jean Grey/Phoenix dans X-Men 3 ou à une ancienne publicité de Bouygues Telecom pour son iMode au début d’internet sur les portables. Sortes de Sisyphes numériques, ces danseurs semblent évoquer une lutte impossible de l’être humain pour s’élever vers un niveau de spiritualité ou vers une conscience supérieure. Le travail de Matt Pyke n’est pas sans évoquer ces questions, comme le montre la pièce qui m’a le plus marqué, Communion.
Du spirituel dans l’art et dans le numérique en particulier
Sorte de cérémonie religieuse chez d’hypothétiques Papous numériques, Communion est une expérience immersive qui allie son, lumière et motion design, et évoque tout à la fois le dancefloor d’une boîte branchée et un sacrement dans une chapelle digitale. Sur les quatre parois quadrillées de la petite salle plongée dans l’obscurité, d’innombrables personnages s’agitent au son d’une entêtante mélopée frénétique, fuyant d’un mur à l’autre, puis remplissant la totalité des parois, disparaissant à nouveau, passant de tons orangés chauds et roses fluos à des bleus et verts froids. Comme dans beaucoup d’autres pièces de Matt Pyke et de ses complices, les personnages de Communions sont générés par un algorythme basé sur la musique, faisant de l’œuvre une expérience unique qui se réinvente en permanence.

Communion, Matt Pyke & Friends © DR Simon Pyke précise : “it’s tribal music with a big vocal sound, like a collective & religious experience (C’est une musique tribale avec une importante partition vocale, comme une expérience religieuse collective)”. Pour ma part, j’ai pensé aux passages de rituels dans Sa majesté des mouches de William Golding remixés par Yuksek, quelque chose d’à la fois érotique et effrayant, sensuel et fascinant. C’est une véritable expérience à vivre et rien de ce que vous pourrez lire ici ou ailleurs ne rendra la réalité d’y être confronté.
Science feat. Nature
Parmi les autres pièces, on peut citer Can’t Stop, un autoportrait psychédélique de l’artiste en penseur (devant la grand salle, premier étage) qui n’est pas sans évoquer Magritte par sa force surréaliste. L’exposition montre également deux œuvres très graphiques : Electric Trees, dans une alcôve du sous-sol et 76 seeds. Dans Electric Trees un tube néon de lumière noire, relié à un capteur de présence, ne s’active que lorsqu’un visiteur pénètre l’alcôve et révèle les feuilles des arbres dessinées selon un algorythme récursif.

Electric Trees, Matt Pyke & Friends © Maxime Dufour Enfin, avec 76 seeds, une série de croquis dessinés quotidiennement, le designer inverse les rôles et devient la machine. Pendant 76 jours, il a dessiné en suivant les instructions d’une application iPhone développée exprès, selon quatre critères : l’énergie, le comportement, la complexité et la matière. Le résultat donne un assemblage hétérogène de croquis aux traits divers, mouvants, surprenants qui n’est pas sans évoquer un cabinet de curiosité graphique à l’ère du numérique.
Designer ou artiste ?

Conférence autour de l'exposition "Matt Pyke & Friends" © Sébastien Magro Pendant la conférence, l’épineuse question de la relation entre design et art se pose. Pour Charlotte Léouzon, nous vivons une époque de décloisonnement entre les disciplines, les artistes sont aujourd’hui tout autant directeurs artistiques que plasticiens et passent souvent de productions de commandes à des œuvres “à vocation artistique”. Venant appuyer son propos, Marcus Wendt précise que Londres lui semble plus ouverte à ce décloisonnement, là où l’Allemagne pratique une séparation plus radicale entre art et design, raison du déménagement de Field pour la capitale britannique. Pour conclure, Matt Pyke se définit comme designer avant tout : les marques et les projets publicitaires qu’il conçoit pour elles lui permettent de développer son travail artistique. Mais ces deux démarches ne sont pas opposées ou parallèles mais entrelacées, puisqu’à plusieurs reprises, des éléments fonctionnels ou formels présents dans ses œuvres ré-apparaissent dans ses annonces publicitaires et réciproquement.
La conférence a été également l’occasion de découvrir d’autres travaux de Matt Pyke et de ses compagnons, telle que leur première pièce présentée au public, Forever, montrée en 2009 au Victoria & Albert Museum de Londres et réalisée en collaboration avec Karsten Schmidt et Simon Pyke. Un autre très beau projet de Matt Pyke est Advanced Beauty, une série de 18 sculptures sonores produites en collaboration avec son frère Simon et des artistes américains et britanniques pour la plupart, que vous pouvez retrouver en podcast sur iTunes et en rétrospective à la Gaîté le dimanche 22 mai de 14h à 18h. Ci-dessous, quelques images du projet et son making-off.
Si la vidéo ne s’affiche pas, cliquez ici.Pour approfondir
À propos de l’exposition, je vous suggère la lecture des articles de Libération et Les Échos qui consacrent un petit sujet vidéo à l’expo. Côté blogs, voyez Eye Magazine (En) et lisez l’article de Noëmie Roussel sur ZestForArt. Enfin, Carpe Webem propose une réflexion sur la nature de l’art numérique à travers le travail de Matt Pyke.
Je vous incite à visiter le site de Matt Pyke car, au-delà d’y voir des photos de l’exposition, vous pourrez y apercevoir quelques instantanés du chantier de la Gaîté. La préparation de l’exposition ayant débutée il y a plus de 2 ans, le designer et son équipe ont appréhendé les espaces d’exposition du lieu, allant même jusqu’à concevoir un modèle 3D qui a été utile au personnel de la Gaîté.
Vous pouvez en savoir plus sur le travail de Charlotte Léouzon sur son blog ou sur le site de son agence, Va Voom.
J’ai visité l’exposition une première fois le 4 mai dans le cadre des Rencontres culture numérique, puis en visite guidée avec l’artiste le 11 mai. J’ai assisté à la conférence le même jour, à 19h.
MÀJ du 18/05/11 : ajout du lien vers le blog ZestForArt.


